새와 나비가 살랑살랑 자유로이 날갯짓하고, 만개한 매화는 바람결에 꽃잎을  흩날리며 은은한 향기를 퍼트리는 풍경. 10여 년 전, 이이남 작가가 세상에 처음 선보인 디지털 8폭 병풍에서 만난 풍경입니다. 상상으로만 가능했던 것들이 우리 눈앞에 펼쳐지는 순간이었는데요.

<8폭 병풍>, 2007. LED TV, 병풍 프레임, 5분

병풍이라고 하면 으레 고풍스러운 산수화나 화려한 화조화, 기품 넘치는 문자도 등을 생각하기 마련입니다. 이런 익숙한 틀을 과감하게 깨버린 그만의 디지털 병풍은 많은 사람들을 놀라게 했는데요. 누구나 알 만한 명화작품에 디지털 기술로 움직임을 가미해 생명을 불어넣는 그의 작품 세계로 Hello, 포스코 블로그와 지금부터 함께 가보실까요?

매 순간의 열정 만든 세계적 미디어 아티스트

작가 이이남은 1969년 전남 담양에서 농부의 둘째 아들로 태어나 ‘이남(二男)’이라는 이름을 얻었습니다. 최첨단 디지털 기술을 사용하는 세계적인 미디어 아티스트로 성장했지만, 그의 작품에  묻어나는 따뜻한 정서와 아날로그적 감성은 아마 어린 시절 드넓은 들판과 푸른 산천을 뛰놀았던 유년의 기억에서 비롯된 것일지 모릅니다. 지금도 고향 담양은 작가에게 있어 내면의 쉼터이자 무한한 영감의 원천이라고 하는데요.

작은 시골마을 꿈 많던 소년은 대학에서 조소를 전공하며 미술가로서 발걸음을 내디뎠습니다. 순수미술로 시작했지만 그는 1990년대 말 학생들을 가르치며 알게 된 ‘스톱 모션 애니메이션’ 작업을 계기로 영상작업에 매력을 느끼기 시작했다고 합니다.

*스톱 모션 애니메이션(stop motion animation):촬영 대상의 움직임을 연속으로 촬영하는 것과 달리 한 프레임씩 변화를 주면서 움직임을 촬영한 후, 이 이미지들을 연속적으로 영사해 움직임을 만들어내는 애니메이션 기법 (출처: 만화애니메이션사전, 2008, 한국만화영상진흥원)

그의 영상작업은 17인치짜리 작은 모니터, 그리고 컴퓨터에 대한 부족한 경험과 지식에서 출발했다고 하는데요. 그러나 항상 새로운 것을 향한 도전정신과 세상을 보는 폭넓은 식견이 있었기에, 지금의 디지털 시대를 대표하는 대한민국 최고의 미디어 아티스트가 될 수 있었죠.

이이남 작가의 작업실 풍경은 여느 도서관과 다르지 않습니다. 벽면 가득 채워져 있는 온갖 종류의 이미지들과 장르를 불문한 수많은 책… 언뜻 어수선해 보이기도 하지만 나름의 멋과 낭만이 있는 매력적인 공간입니다. 세상에 존재하는 모든 정보를 수집하려는 듯한 의욕 넘치는 탐구정신과 함께 빼놓을 수 없는 것이 바로 ‘메모벽’인데요. 그는 거리를 걷든 사람을 만나든 순간을 놓치지 않고 떠오르는 아이디어를 메모하고 스케치한다고 해요. 이렇게 시간과 장소를 구분하지 않고, 끊임없이 보고 느끼고 생각하기를 반복하는 그의 습관들이 밑거름이 되어 새로운 작품들이 끊임없이 탄생하는 것이죠.

명화가 살아있다! 미디어 아트 5분의 미학

<미인도와 벨라스케스 그리고 개미 이야기>, 2011. LED TV, 4분 50초

이이남 작가의 작품 스타일은 누구나 다 아는 유명한 명화를 차용한 작업으로 알려져 있습니다. 레오나르도 다빈치의 ‘모나리자,’ 구스타프 클림트의 ‘키스,’ 정선의 ‘금강전도’ 등에 영상 장치와 음향을 더해 5분 남짓한 작품을 완성하는데요.

흔히들 예술은 세상에 존재하지 않았던 그림이나 조각 등 새로운 이미지를 창작해내는데 진정한 가치가 있다고 말합니다. 그런데 그는 왜 누구나 다 아는, 전혀 새롭지 않은 명화를 사용하는 것일까요?

일반적으로 대중들은 예술작품 앞에 그리 오랜 시간 머물지 않습니다. 무심하게 스치는 관객들의 발길 몇 걸음과 짧디 짧은 시선 몇 분을 경험한 그는 최소 5분 만이라도 자신의 작품 앞에  그들의 발걸음을 머물게 할 묘책을 고민했는데요. 그래서 사람들이 익히 알고 있는 친숙한 명화를 작품 소재로 사용한 것이죠.

하지만 그에게 명화는 단순히 재료일 뿐입니다. 원본이 갖고 있는 의미에 그만의 독특한 상상력과 아이디어를 가미해 원본과는 전혀 다른 새로운 작품으로 재창조하기 때문입니다. 이렇게 이이남 영상작품의 가장 큰 매력으로 꼽는 ‘5분의 미학’이 완성됐습니다. 알고 있는 그림이지만 들여다보면 볼수록 예상치 못한 이야기의 전개에 호기심을 느낀 관람객은 쉽사리 발길을 옮기지 못하고 기꺼이 5분의 시간을 내어줍니다.

그의 작품 ‘미인도와 벨라스케스 그리고 개미 이야기’를 보면 17세기 궁중화, 벨라스케스가 그린 ‘왕녀 마르가리타(1659),’ 18세기 조선화가 신윤복의 ‘미인도’가 함께 등장합니다. 화면을 분주하게 오고 가는 개미들의 움직임에 따라 시간이 흐를수록 두 여인의 옷차림이 서서히 뒤바뀌는데요. 문명이 다른 시공간에서 그려진  두 작품의 만남 자체가 ‘새로움’이죠.

과거-현재, 서양-동양, 아닐로그-디지털 잇는다

뜨겁던 여름을 보내고 찾아든 선선한 바람과 단풍의 계절, 포스코미술관은 이이남의 개인전 <포세이드리의 눈빛>을 개최하고 있습니다. 10월 12일부터 11월 16일까지 진행되는 이번 전시는 포스코미술관 20년 전시 역사 중 최초의 미디어 아트 전시이자, 해외에서 활발히 활동 중인 작가가 근 2년 만에 국내에서 선보이는 신작 위주의 개인전인데요.

전시 제목 ‘포세이드리(PoseideLEE)’는 ‘포세이돈’과 ‘이이남’을 합성한 신조어로, 신과 인간의 소통으로 ‘진리에 접근하려는 자’를 뜻합니다. 그동안 선보인 작품에서도 드러나듯 이이남의 작업은 과거와 현재, 서양과 동양, 예술과 기술, 아날로그와 디지털 영역까지 모두 아우르는 브릿지 역할을 해 왔습니다. 시대와 공간을 초월한 융합적 작품을 통해 관객들에게 새로운 소통의 장(場)을 만들어내려는 작가의 의지를 다시 한 번 엿볼 수 있습니다.

특히 이번 전시에서 작가는 한국 장인의 숨결을 내포한, 자연의 빛과 색을 대표하는 ‘자개’를 새로운 재료로 사용했는데요. 천연 자개가 발산하는 ‘자연의 빛‘과 첨단 기술이 만들어 낸 ‘인공의 빛’은 과거와 현재라는 시간적 지평 위에서 만나 작품으로 탄생했습니다. 한때 집안 안방에 크게 한자리를 차지하며 부의 상징으로 애정 받았지만 이제는 퇴물로 취급 받으며 점점 사라져가고 있는 자개장롱이 디지털 자개병풍 작품으로 재탄생해 전시장에 선 것이죠.

버려진 자개장롱 중 문짝만을 재활용해 조립된 병풍은 문짝 표면을 대나무 모양으로 레이저 커팅하고 내부 안쪽에 LED TV를 장착했는데요. 자개 표면을 일렁이는 무지갯빛과 모니터를 뚫고 나온 밤하늘 오로라 같은 환상적인 빛이 어우러져 화려하고 압도적인 분위기의 빛을 분출합니다. 작가는 아날로그에서 디지털로 변화하는 삶 속에서 ‘빛’을 통해 시간의 자취를 느끼게  하고, 현재의 삶에 대해 생각해 볼 수 있는 기회가 되기를 기대하고 있습니다.

자개를 이용한 또 다른 시도는 바로 조각 작품입니다. 우리가 알고 있던 밀로의 비너스와 건담 로봇이 작가의 손을 거쳐 ‘자개’라는 새로운 빛을 장착했습니다. 전혀 어울릴 것 같지 않던, 아니 누구도 생각하지 않던 자개를 사용해 만들어낸 조각은 또 한 번 우리에게 신선한 충격을 줍니다. 평면 모니터 안에서 구현되던 그의 작품은 이제 모니터 밖으로 확장되어 다채롭게 존재함으로써 이이남 예술의 무한한 확장 가능성을 증명하고 있죠.

이 외에 LED TV를 주로 사용한 새로운 작품들도 볼 수 있습니다. ‘금’과 ‘나비’의 만남을 미디어 아트로 재해석한 ‘생명으로부터’는 금의 녹슬지 않은 순수함과 세월이 흘러도 변치 않는 영원한 가치를 작품에 투영했는데요. ‘다시 태어나는 빛-자개’는 조선시대 계회도 한 점을 시작으로 시간과 계절의 흐름은 물론, 우주적인 테마와 현대적 메시지까지 녹여냈습니다. 상상 가능할 법한 영역에서 시간과 공간에 움직임을 부여했던 이전 작품들과는 달리 이제 그의 영상작업들은 우리가 상상하는 범위를 뛰어넘은 듯 보입니다.

이이남 작가는 올해 부산 비엔날레(9월 3일~11월 30일)에서 최초로 구글의 가상현실(VR) ‘틸트브러쉬(tilt brush)’ 기술을 접목시켜 작품을 선보이고 있습니다. 틸트브러쉬는 HMD(Head Mounted Display·머리에 쓰는 디스플레이 기기)와 콘트롤러를 이용해 가상공간에 3차원 입체 그림을 그릴 수 있는 VR 애플리케이션인데요. 그는 이 작품을 통해 한 단계 진보한 미디어 아트의 세계를 보여주고 있습니다. 또한 그는 현재 11월 벨기에서 열릴 개인전을 준비하고 있습니다.

세상의 모든 것들이 끊임없이 변화하는 오늘날,
이이남 작가의 작품은 그 변화를 통해 새로운 영감을 주는 듯 합니다.
이번 주말, 잠시 포스코센터에 발걸음 하셔서
미디어 아트를 감상해 보시는 건 어떨까요?

10월 7일 점심시간, 포스코그룹 직원 50여 명이 포스코 아트페어스페이스(舊 포스코미술관)에 모였습니다. 세대를 잇는 작업 <이음展-장도장> 전시에 참여한 장도장 박종군 장인으로부터 장도 이야기를 직접 듣기 위해서인데요. 직원들은 박종군 장인의 한국 장도를 향한 그의 애정과 신념을 느낀느 소중한 시간을 가졌다고 합니다.

박종군 장인의 ‘장도 정신’을 들으러 함께 떠나볼까요?

평새 철을 만져온 장인, 포스코와 함께 새로운 경험을 하다

저는 30년 동안 장도(粧刀·칼집이 있는 작은 칼)를 만들었습니다. 아버지(국가지정무형문화재 제60호 故 박용기 장인)께서 계속 장도를 만드셨기 때문에 태어났을 때부터 보고 자란 게 장도입니다. 육십 평생을 장도와 함께 했다고 하는 게 맞는 말이겠네요. 아버지께서도 그러셨듯 저도 항상 재료비 걱정을 하며 장도를 만들어 왔어요. 고철을 가져다가 가열해서 칼날을 만듭니다. 장도에는 금과 은이 들어가는데, 이 재료들이 많이 비싸요. 그래서 만들고 싶은 칼이 있어도 망설여질 때가 있었죠.

이번 이음展을 준비하면서는 달랐습니다. 아무 걱정 없이 작업에만 몰두할 수 있었으니까요. 30년 장도 인생에서 처음이었어요. 하루 3시간씩만 자고 작업했지만, 신이 나니까 피곤한 줄도 모르겠더라고요.

또한 이번 이음展에는 현재 활발하게 작품 활동을 하시는 현대 금속공예가 분들도 장도를 가지고 다양한 현대적 작품들을 작업해 주셨어요. ‘장도가 저렇게 재탄생할 수도 있구나’ 하면서 저도 많은 것을 배운 시간이었습니다.

제가 고철을 사용해서 작업한다는 이야기를 듣고 포스코에서 좋은 철강재를 많이 지원해 주셨습니다. 저는 칼을 만들 정도의 적은 양을 생각했는데, 광양제철소에서 만든 엄청 큰 판을 여러 장 주시더라고요. 들기가 버거울 정도였어요(웃음).

판을 자르고 두드려 칼날을 만드는데, 제가 만들었지만 정말 예쁘더군요. 그래서 처음에는 4개의 작품을 출품할 계획이었는데, 욕심이 나서 11점이나 작업했습니다. 제작한 11점 중 9점이 장도인데, 9점 모두 광양제철소에서 생산된 철강재(산세공장 고탄소강(SAE 1045))를 사용한 것이랍니다.

제가 평소 장도 제작에 사용하던 고철과 가장 유사한 강종을 지원해주시는 세심한 배려에 이 자리를 빌려 감사드립니다.

이번에 출품한 작품 중 ‘백옥금장환별자리금상감보검’이 있습니다. 현재 한국의 보검은 기록만 있을 뿐 전해 내려오는 실체는 존재하지 않는 상황입니다. 저도 그동안 조선왕조실록 등 보검 제작에 대한 기록을 보면서 언젠가는 꼭 한 번 도전해 보고 싶었지만 만들 엄두를 내지 못했었죠.

그런데 이번 이음展 작품을 준비하면서 ‘신하에게 옥으로 칼자루를 만들고, 금으로 장식하여 오색술로 달아서 보검을 만들라고 전교했다(연산군 11년 5월)’는 기록을 바탕으로 1400년 전의 한국 보검을 복원해냈습니다.

이렇게 말하긴 부끄럽지만, 제 스스로도 아는게 장도 기술이라고 마지못해 장도쟁이로 살아왔는데 이번에 처음으로 장도장으로서 만족할 만한 작업을 한 것 같습니다. 역사 속에 문서로만 존재하던 보검을 만들었다는 건 장도쟁이에게 엄청난 보람이자 자부심입니다. 1400년 전 문헌에서 본, 죽기 전에 꼭 해 보고 싶었던 꿈의 장도 작업을 이번 이음展 프로젝트 덕분에 할 수 있어 참 행복했습니다.

저는 물론 우리나라 국가무형문화재 모두가 이음展을 환영할 겁니다. 장인으로서 지원이 절실히 필요한 부분, 그러나 장인이 해결할 수 없는 문제를 포스코와 포스코1%나눔재단이 도와주기 때문입니다. 이음展의 특별한 점이라고 생각합니다.

드물긴 하지만 장인에게 ‘제작 지원’은 작품 구매를 담보로 하는 경우가 대부분입니다. 그러나 이음展은 작품을 만드는 것은 물론, 그 전통의 기술이 현대적으로 쓰일 수 있는 방법까지 찾는 작업이었습니다. 즉, 이음展은 옛 장도의 복원을 넘어 ‘장도의 현대적 부활’을 꿈꾸는 작업이었다고 할 수 있지요.

우리의 전통기술은 사실 옛것이 아닙니다. 조상들의 지혜가 담긴 전통기술은 현대적으로도 얼마든지 그 가치를 인정받을 만하며, 수준도 높고 아릅답습니다. 현대사회에서도 우리 전통공예가 살아 숨 쉴 수 있도록 해 그 전통이 아름답게 이어질 수 있도록 지원하는 이음展 프로젝트는 우리 장인들에게 절실히 꿈꿔 오던 중요한 지원활동입니다.

이음展이 앞으로 더 확대돼서 우리 전통공예를 더욱 널리 알리는 장(場)이 되길 기원합니다.

포스코센터 전시기간을 놓치신 분들은 주목해 주세요!
이음展은 11월 11~13일 일산 킨텍스에서 다시 막을 올릴 예정인데요.
아름다운 장도와 장도장의 장인정신은
우리 모두의 마음속에 남아 소중한 전통으로 자리 잡을 것입니다.
금속 무형문화재 보존·계승 프로젝트인 <이음展>의 다음 전시를 기대해주세요!

원자번호 26번, 원소기호 Fe로 명명되며 지구 중량의 35%를 차지하고, 인체에 3g 정도 포함되어 있는 영양소 ‘철’.

이 철을 미술의 언어로 재해석한 전시가 포항 포스코갤러리에서 열리고 있는데요. 바로 제17회 철의 날을 기념해 마련된 특별 기획전 ‘atomic number 26’입니다. 7월 15일까지 이어지는 이 전시에서는 철강산업의 도시인 포항의 정체성을 바탕으로 가공성, 내구성, 성형성 등 철의 다양한 특성을 활용한 현대 작가 8인의 작품 56점이 소개되는데요.

철의 특성이 인류에게 어떻게 활용되고 있는가를 예술가의 감성으로 보여주기 위해 크게 점(點), 선(線), 면(面), 형(形)으로 구분해 기획되었다고 합니다.

Hello, 포스코 블로그에서는 이번 전시의 주요 작품들을 하나씩 살펴보며, 철의 다양한 면모를 엿볼까 하는데요. 지금부터 함께 보실까요?

철로 그린 풍경, 점(點)

점(點)에서는 철의 가공성을 살린 작품으로 붓과 물감 대신 철로 그린 풍경을 담은 유봉상, 예진영 작가의 작품을 선보입니다. ‘못의 작가’로 알려진 유봉상 작가의 작품은 몇 만개의 못으로 이루어져 있는데요. 마치 액정 화면의 픽셀이나 점묘화처럼 점이 모여 선이 되고 다시 형태가 이루어지는 일종의 회화와 같은 작업물입니다.

유봉상 작가가 박아놓은 못들은 가까이에서 볼 때는 그 형태를 알아보기 힘들지만, 멀리서 보면 아름다운 풍경이 눈에 들어오죠. 작품을 만드는 과정도 독특한데요. 작가가 인상 싶게 경험한 풍경을 크게 출력해서 합판에 붙이고 그 위에 못을 박고 안료를 뿌린 다음, 못 머리를 그라인더로 갈아 내서 완성하게 됩니다.

작품 화면을 가득 채운 갈린 못은 각도에 따라 달라지는 빛의 흐름을 만들어 내고, 가까이 다가섰을 때 철의 물성이 그대로 드러나기 때문에 만지고 싶은 촉각을 자극하기도 하죠.

한국화를 전공한 예진영 작가는 비움과 충만을 상징하는 동양화의 여백에 매료된 후, 자연의 소리를 시각화하는 실험적 작품을 만들었는데요. 본래 붓으로 그림을 그리던 작가는 작업의 가장 기본단위가 되는 점(點)으로 금속(알루미늄) 조각을 선택해서 한 점 한 점 이어 붙이며 형태를 완성해 나갔다고 해요.

점으로 시작한 작업은 수직과 수평, 곡선과 직선을 만들고 평면에 입체감을 더하는데요. 이 입체감은 빛과 그림자 반사를 통해 기존의 회화와는 다른 의미와 느낌을 부여하게 됩니다. 시작과 끝이 없는 시간, 위와 아래가 없는 공간, 빛과 그늘에서 탄생한 색감을 추구한 그의 작품은 완만한 한국적 풍경을 닮아 있습니다.

철의 성형성을 살린 선(線)

선(線)에서는 철의 성형성 중에서도 연성을 살린 송진수 작가의 작품이 전시되고 있습니다. ‘공간 드로잉’이라고 표현되는 송진수의 작품은 철사를 소재로 구부리고 이어 붙여 만드는데요. 마치 허공에 드로잉을 해놓은 듯하며, 입체적인 회화를 보는 듯한 착각을 불러 있으킵니다.

특히 이번에 설치한 고흐의 방은 하나의 덩어리자 선이고 그림자이자 조각이며 실제이자 허상에 가까운, 독특한 느낌을 자아냅니다. 그리고 이 사물들은 특정한 공간에서 무언극과 같은 상황을 연출하는데요. 개별 존재들은 별다른 의미를 지니지 못하고 서로 연결되어 문맥을 형성하거나 나름의 서사를 작동시킨다고 말해볼 수 있습니다.

평면이자 입체적인 철의 공간, 면(面)

면(面)은 금속 면제를 이용한 작품들로 구성했습니다. 강은구 작가의 작품은 철판을 오려내 팝업북처럼 만드는 기법으로 평면이며 입체의 형식을 가집니다. 주로 다루는 주제는 도시의 풍경으로 철판 사이사이에 LED를 삽입하여 도시의 어둠과 빛이 공존하는 밤 풍경을 그려내죠. 주로 어둡고 차갑게 느껴지는 금속의 질감이 LED 불빛과 함께 어우러져 따스한 도시 풍경을 만들어 냅니다.

금속 판을 볼트와 너트로 층층이 이어 붙여 얼굴을 만드는 정운식 작가의 작품은 2차원의 평면에서 시작해, 3차원의 공간을 만들어 가는데요. 우리들이 익히 알고 있는 유명인의 얼굴을 소재로 하는 그의 작업은 정면에서 봤을 때는 하나의 평면 회화 작업처럼 보이지만 측면으로 조금씩 움직이면서 보면 수직과 수평이 교차하는 설치 작업이 됩니다. 평면이면서 입체, 회화이면서 설치 작품이 되는 것이죠.

철의 특성이 집합된 덩어리, 형(形)

형(形)은 철의 다양한 특성들을 복합적으로 사용하여 하나의 덩어리(形)를 표현한 작품들입니다. 심병건 작가의 작업은 유압식 프레스기로 철에 압력을 가해 구김과 펴짐 효과를 내어 만드는데요. 덕분에 단단하고 강한 철이 구겨진 종잇장처럼 보이게 되죠. 강한 성질을 가진 금속 소재가 더 강한 압박을 받은 한순간의 정지 상태를 포착한 작품은 압도하는 힘이 있고, 정지된 순간이 곧 풀려버릴 것만 같은 긴장감을 느낄 수 있습니다.

김성석 작가는 철을 주조해 의인화된 동물의 모습을 해학적으로 표현하는데요. 그저 덩어리에 지나지 않았을 철은 작가의 손을 거쳐 의미를 지닌 형태로 재탄생하게 되고, 작가의 감수성이 녹아들어 간 이야기들을 담아내고 있습니다. 형태를 탈바꿈한 철이 단단하고 강한 이미지를 털어내고, 말랑말랑한 이야기들을 잔뜩 묻힌 또 다른 형(形)이 된 것이죠.

이성민 작가의 작품은 철의 특성을 극대화하여 보여주고 있습니다. 작품의 소재는 철과 함께 나무가 사용됩니다. 나무를 자르고 조각하여 완성된 작품은 나무의 특성을 버리고 철의 특성으로 위장하는데요. 반대로 철은 본연의 속성을 버리고 나무처럼 보이기도 합니다. 전혀 다른 특성을 지닌 철과 나무는 각자의 특성을 버리고, 상대의 특성으로 위장하여 어디서부터 어디까지가 나무이며 철인지 그 구분을 모호하게 하죠. 무거울 것 같으면서도 가벼울 것 같은 모호함과 긴장감이 관람객을 착각 속으로 밀어 넣는 작품입니다.

지금까지 예술인이 바라본 ‘철’의 모습을 살펴 보셨는데요!
산업적 속성이 아닌 예술의 감성으로 다시 태어난 철의 모습이 새롭습니다.
여러분은 어떠신가요?

누구나 쉽게 미술사 지식을 얻을 수 있는 교육 전시, ‘부끄러워지기 전에 알아야 할 그림 이야기’가 2월 17일부터 포스코미술관에서 열립니다. 각 사조의 대표작이 한 곳에 모인 이번 전시를 Hello, 포스코 블로그에서 소개해드립니다!

어려운 미술? 친근한 미술!

우리는 피카소, 고흐, 모네, 르누아르, 클림트, 마그리트, 앤디 워홀 등 생각보다 많은 작가들의 이름을 익히 들어왔고 알고는 있는데요. 그들의 작품은 광고, 우산, 가방, 퍼즐, 색칠공부 키트뿐만 아니라 심지어 우유와 진통제에서도 접할 수 있죠.

게다가 국내에서도 이제는 쉽게 그들의 이름을 단 △피카소에서 프란시스 베이컨까지(서울 예술의전당,  2015년 11월 27일~2016년 3월 1일) △모네, 빛을 그리다(서울 전쟁기념관, 2015년 12월 11일~2016년 2월 28일, 대전 무역전시관, 2015년 12월 12일~2016년 3월 24일) △풍경으로 보는 인상주의(서울 예술의전당, 2015년 12월 19일~2016년 4월 3일) △앤디워홀 라이브(부산 시립미술관, 2015년 11월 25일~2016년 3월 20일) 등과 같은 전시를 쉽게 만나 볼 수 있습니다.

삶 속에 깊숙이 함께하고 있는 미술에 대해 더 많은 관심을 갖고 그 속에 담긴 이야기를 알고자 미술사 공부를 결심해 본 경험도 있을 수가 있는데요. 그러나 서양 미술사의 기본서라는 곰브리치의 저서 ‘서양미술사’를 집어들고 몇 장을 채 넘기기도 전, 그 두께와 무게감에 압도당하기도 하고, 미술사 강의를 수강하려 온오프라인을 뒤져보다가 바쁜 일상에 지쳐 어느새 포기하기도 하죠.

하지만 ‘무한한 지적 호기심과 교양 있는 현대인이라면 이 정도는 알아야 하지 않겠는가!’ 하는 의무감으로 대안을 강구하고 있는 당신을 위해 포스코미술관은 단지 미술관 한 바퀴만 둘러보아도 ‘부끄럽지 않은’ 미술사적 지식을 쉽게 얻을 수 있는 교육 전시를 열었다고 합니다.

포스코미술관에서 만나는 서양 현대미술사

2016년 2월 17일부터 3월 15일까지 열리는 포스코미술관의 ‘부끄러워지기 전에 알아야 할 그림 이야기’는 인상주의부터 팝아트까지 20세기 서양 현대 미술의 주요 사조와 대표적인 작가들의 작품을 한눈에 보여주고 있는데요. 미술관이 하나의 거대한 미술사 연표가 되는 것이죠. 전시는 시대가 변화함에 따라 미술이 어떻게 변화해왔는지 이야기하며 관람객의 이해를 돕기 위해 각 사조에 있어서 꼭 알아야 할 대표 작품들을 디지털 프린트 및 모방작으로 재현해 줍니다.

이번 전시를 통해 관람객은 비록 진품이 아니라도 책에서 주로 접하던 작품의 이미지보다 더 큰 사이즈로 작품을 확인해 볼 수 있고, 전시장 곳곳에 붙어있는 각 작가와 작품의 특성을 담은 설명 보드를 통해 관심 가는 작품에 대한 궁금증도 바로 해소할 수 있답니다.

포스코미술관의 다양한 전시 연계 프로그램

전시장을 한 바퀴 둘러보며 19세기에서 20세기까지의 미술을 습득했지만, 아직도 부족함을 느낀다면 포스코미술관에서 준비한 전시 연계 프로그램에 참여할 수 있습니다. 매일 오후 두 차례 정해진 시간(월~금, 오후 12:30, 3:30)에 맞춰 미술관을 방문하면 도슨트의 설명을 들으며 재미있는 작가 및 작품 관련 설명을 들을 수 있죠.

또한 창작욕구가 불타오르는 이들을 위해 내 손으로 직접 명화를 쉽게 완성할 수 있는 프로그램인 ‘어른들을 위한 힐링 색칠공부, My Art Time’도 운영될 예정입니다.

포스코미술관의 이번 전시를 통해 미술사적 지식을 넓힐 뿐만 아니라,
전시작 속 재미있는 관람 포인트를 찾아 미술과 좀 더 친숙해지는 계기를 마련해보시기 바랍니다.